“Eclécticas”, así clasificó Gwen Van Den Eijnde, directora de diseño de indumentaria de RISD, las colecciones de los 12 estudiantes de la promoción de 2026 y, de hecho, fue precisamente eso. Por muy individual que fuera el trabajo de los estudiantes, lo que todos los talentos tenían en común era la pasión por los materiales, ya fueran esteras de yoga, nidos de avispas, sacos de azúcar o incluso una humilde muselina. A través de manualidades y con “materiales” inusuales, los estudiantes pudieron usarlos para abordar temas tanto personales como profundos, a menudo de maneras maravillosas. Otro beneficio de “hacer que los estudiantes realmente interactúen con la mano y los procesos manuales, y que realmente cambien los textiles”, reveló Van Den Eijnde, es que actúa como una especie de “resistencia contra la inteligencia artificial”.
Tomemos como ejemplo el trabajo de Azaria Van Der Stok-Smallwood y Paige Sias, ambas becas “posmodernas” Virgil Abloh 2026, que se centró en sus experiencias como mujeres negras. En reacción a la traición que puede existir en el silencio, Van Der Stock-Smallwood creó siluetas dramáticas y expresivas que incorporaron conchas de ostras y juncos recolectados a mano. Utilizó miles de tiras de tela tipo rafia para crear prendas de volúmenes majestuosos y movimientos ondulantes que demostraron la afirmación de que sus diseños, que están conectados con la historia, “tienen vida propia”. O, como ella escribió: «La vestimenta se convierte en mi lugar de liberación y resistencia».
La colección de Paige Sias surgió de la historia de su propia familia en lo que se refiere a “el trabajo de [sugar] caña” y en el que “el trabajo se convierte en un camino hacia la libertad”. Sias aplicó una artesanía probada en el tiempo y que requería mucho tiempo a materiales humildes, como agregar detalles de corsetería a la mezclilla (tradicionalmente una tela para ropa de trabajo) y cortar un saco de azúcar de algodón para convertirlo en un abrigo. Además, Sias transformó bolsas de arpillera para café en un minivestido y creó un vestido blanco brillante calado con restos de vestidos de novia desechados, lo que podría leerse como un testimonio físico de su compromiso de utilizar “el diseño como una forma de activismo”.
“Siento la responsabilidad de utilizar mi trabajo para crear espacio para los demás”, escribió Nerukessa Burgess, una trans jamaicana-estadounidense, que claramente estaba pensando más allá de sí misma al crear su colección de tesis. Burgess hizo referencia a los uniformes olímpicos del país insular y a los colores y el movimiento de su bandera, creando intriga a través de recortes y espectaculares tratamientos en los hombros. El resultado, en sus propias palabras, fue “una fusión de cultura drag y playera”.
Tiene mucho sentido que la diseñadora Zoe Goldemberg hiciera prácticas con los incansables iconoclastas ThreeASFOUR de Nueva York, dadas sus adyacencias filosóficas, si no estéticas. El trabajo de Goldemberg exploró un territorio inexplorado con una colección experimental que investigó la función a través de la materialidad haciendo uso de la ciencia y la tecnología digital. Un traje de una pieza tejido, por ejemplo, estaba veteado con un tubo hidráulico, a través del cual podía fluir agua teñida de púrpura para crear «un sistema circulatorio que enfría y regula». El diseñador también construyó un edificio ondulado (que el jefe del departamento comparó con una cúpula de Buckminster Fuller) a partir de tiras de esteras de yoga atadas con globos desinflados. Muchas de las prendas de Goldenmber sugerían exoesqueletos.
Para la promoción de 2026, el caos es un hecho; lo interesante es cómo eligen abordarlo. Los cordones de corsé ajustables fueron una forma de contener el cuerpo que apareció en casi todas las colecciones, incluida la de Liam St.Clair-Rounds. Al crecer en un pequeño pueblo de montaña, el diseñador quedó fascinado por la oscura inmensidad del cielo nocturno. Su misteriosa expansividad parece haber informado su creencia de que «debido a que nada es verdaderamente insondable, todo es imaginable». Ideó prendas para seres del más allá utilizando materiales terrenales como cinta adhesiva y láminas de cobre. Había algo un poco lunar en la textura de la superficie de un vestido de punto calado con hilos colgantes de perlas y cuentas de abulón.
De humor más oscuro fue el trabajo de Micaela Giulianelli, quien envió modelos con gasa sobre sus caras. Su tesis fue una negociación entre la feminidad y la necesidad de protección en relación al cuerpo de la mujer. Presionando con calor bolsas de basura sobre gasa, el diseñador creó un paisaje esquelético y orgánico en la superficie de un vestido; las costuras y las telas pintadas y estampadas recordaban venas y sangre. Al escribir sobre sus diseños, Giulianelli dijo: «la belleza y la amenaza son inseparables».
Más divertidas fueron las colecciones de Maya Mary Muravlev y Ji Hu Park. Muravlev jugó con el alardeado ideal de la moda del glamour deshecho a través del concepto de hurgar en un bolso para encontrar un encendedor escondido o llaves esquivas. Ella manifestó ese pensamiento incorporando un bolso de mano en el corpiño de su look de apertura y quemando algunas telas. Las tapas de plástico del café estaban incrustadas en algodón y los estampados trompe l’oeil (de una mancha de vino, uñas desconchadas, etc.) enfatizaban su aceptación de lo perfectamente imperfecto en una premisa que describió como “una reflexión sobre las marcas dejadas por la vida cotidiana”. Park, que tituló su colección Made by a Magpie y que se describe a sí misma en Instagram como una “ilustradora convertida en costurera”, mostró looks que celebraban descaradamente el rosa y el verde, las princesas (y un príncipe) y la belleza. Piense en faldas de burbujas, un corpiño con forma de corazón y una falda acolchada con forma de pétalo. La idea de Park es que «Todo debería ser más bonito. Todo debería ser más brillante».
La renovación de la casa de sus abuelos en el país de Georgia fue el punto de partida de la exitosa colección de Mariam Devadze. El diseñador, que juega con las prendas como objetos y con su relación con el cuerpo, hizo referencia al mundo de los interiores. Hizo un tejido de punto para que pareciera una alfombra enrollada y pantalones de papel tapiz estampados que parecían despegarse del cuerpo. Una interpretación menos directa del tema fue la atención que la diseñadora prestó a la meticulosa construcción de sus prendas. Su look inicial, de tweed, presentaba una chaqueta “construida” al revés y adornada con tuercas y tornillos. «Siento que la estructura es muy poderosa y estoy tratando de encontrar poesía en eso», escribió. “Tratar de dejar espacio a la curiosidad en algo que parece una conclusión”. Mucha gente ha hablado de la gabardina al revés de Miguel Adrover; Decadze mejoró el juego, aunque esa no era su intención original. Convirtió un portatrajes en un abrigo y luego se topó con una camisa a cuadros, que colgó de manera que fuera visible a través del frente transparente; Sólo después de terminar la pieza se decidió la orientación de atrás hacia adelante.
Van Den Eijnde, director de diseño de indumentaria, describió varias colecciones como de carácter romántico, y en el trabajo de Cali Kircher, Ellia Baldwin y Day Koo se observó una historia de amor entre la historia y la artesanía. Vale la pena señalar la influencia neoyorquina activa en Providence: tanto Kircher como Baldwin estudiaron con Zoe Whalen cuando ella enseñaba en RISD.
La colección de Ellia Baldwin, titulada Women in Trees, consideró el cuerpo en relación con el indomable mundo natural. «El caos sirve para igualar y corregir, ya que los elementos existen en constante cambio», escribió Baldwin. «Abrazar el caos es naturalmente igualador. Éste es el ritmo con el que me sintonizo». La diseñadora colocó nidos de avispas que había recolectado localmente debajo de tul en una chaqueta que fue construida a partir de un yeso tomado de un modelo vivo. Otra prenda fue envejecida mediante una técnica de ahumado. Las ramitas que formaban un espectacular collar tipo nido también inspiraron un jacquard amaderado que Baldwin creó en colaboración con un compañero de estudios en diseño textil.
Kircher organizó su tesis en torno al ritual de una cena, convirtiendo sus detritos imaginados (cáscaras de huevo, papel encerado) en encantadores accesorios y utilizando materiales orgánicos que, como los alimentos, provienen de la tierra. El apego de Kircher a la historia y sus huellas se refleja en la construcción expuesta (un magnífico ejemplo de la cual es una chaqueta de lana con hilvanados rojos y bolsillos interiores con detalles fruncidos), que se conecta con su deseo de proteger la maravilla de la infancia (o una perspectiva infantil) mientras, escribe, aborda “la tensión del envejecimiento en un mundo que nos pide que crezcamos a partir de la fantasía”. Esa cualidad estaba presente en una pequeña gorguera que formaba un polisón en la parte posterior de otro adorno y corona el cuello del look final, cosido a mano y teñido en té. ¿Quién diría que un mantel podría inspirar semejante poesía?
Day Koo utilizó su trabajo para explorar su relación con su querida abuela. Se incorporaron fotografías antiguas a las impresiones, pero lo más importante es que la forma en que envejecían y coloreaban inspiró al diseñador a explorar nuevos métodos de teñido y tratamiento de telas que capturaran la apariencia de esas reliquias del pasado. Koo, quien escribe que sus siluetas «encarnan la gentileza de mi emoción», prefiere formas simples que no distraigan la atención de los detalles, los cuales, en su opinión, «añaden intención y narrativa». La muselina y la organza estampada se funden como la niebla en un vestido recto, por ejemplo. El abrigo color marfil en forma de T está confeccionado con interminables tiras de lino de tejido abierto; Se necesitaron 90 horas para elaborarlo. El futuro de Koo incluirá más exploraciones del pasado; ella regresa a su hogar en Corea para aprender el antiguo arte de saco de gam-yeom, caqui muriendo.
