Esta vez es personal. . . .
Es casi imposible caminar por “Costume Art”, la exitosa exposición de moda del Met, como un observador impasible. La mirada activa es más que recomendable: es necesaria porque el propio rostro aparece en la superficie plana y reflectante de las cabezas de maniquí sin rostro creadas por el escultor Samar Hejazi. La idea, dijo el curador Andrew Bolton, es «reflexionar sobre la propia experiencia vivida, con la esperanza de crear una conexión, empatía y compasión hacia los demás».
Este elemento interactivo no sólo transforma una visita al museo en un pequeño viaje de autodescubrimiento, sino que también es una experiencia corporal que no se puede replicar digitalmente. Esto en un momento en el que los humanos están siendo reemplazados por máquinas y la ansiedad por la IA es generalizada.
Bolton, el hombre que hace una década ideó “Manus x Machina”, una exposición sobre la feliz coexistencia de los humanos y la tecnología, está una vez más un paso por delante del resto de nosotros al centrarse en la fisicalidad y la dimensionalidad en un mundo visual que favorece la planitud. Después de todo, ¿qué podría ser más materialmente fundamental que la forma humana?
“Todo el espectáculo [is] «Está estructurado en torno a una tipología de cuerpos, y estos son cuerpos que ves en todo el museo cuando te encuentras con obras de arte», explicó Bolton. «La tesis simple de la exposición es realmente el hecho de que el cuerpo vestido es el hilo conductor de todo el museo». Lo que no verá en ningún otro lugar del Met son maniquíes de diversos tipos de cuerpos modelados a partir de personas con nombre, como los encargados para “Costume Art”. Y esto es transformador en muchos sentidos. Como señala la académica Llewellyn Negrin en la introducción de su catálogo, los maniquíes no sólo proyectan un estándar de belleza, sino que sus “dimensiones a menudo dictan las tallas de las prendas mostradas, y las tallas de las prendas corresponden a las proporciones idealizadas de los maniquíes preferidos, lo que resulta en un proceso de refuerzo mutuo que perpetúa el privilegio de tipos de cuerpo culturalmente estimados”.
Antes de entrar en la organización de la exposición, es importante abordar algunos de los marcos que rodean la muestra, especialmente en lo que respecta a la cambiante relación de la moda con el arte. En esta era de individualidad, donde las imágenes son moneda común y mantener las apariencias (a menudo a través de la ropa) es un deporte sangriento, el interés por la moda ha crecido y se ha integrado cada vez más en todos los aspectos de la cultura. Esto ha afectado su posición en el mundo del arte en general y en los museos donde el tema atrae mucho a los visitantes. El Costume Institute organizó tres de las exposiciones más concurridas del Met de todos los tiempos, y “Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination” 2018 ocupó el puesto número uno.
Misma fecha, nueva ubicación
Con la apertura de las nuevas galerías permanentes Condé M. Nast justo al lado del Gran Salón, las exposiciones del Costume Institute tienen un nuevo y hermoso hogar. (Uno de los muchos beneficios del espacio es que permite períodos de exhibición más prolongados). Incluso se podría decir que Cenicienta finalmente llegó al baile, aunque los mensajes de aceptación y pluralidad de “Costume Art” van en contra de la idea del cuento de hadas de que es necesario un ajuste perfecto para ingresar.
La asociación de la moda con la feminidad y, por extensión, la frivolidad, la han distanciado durante mucho tiempo del gran arte. «Siempre ha habido una especie de sexismo inherente en torno a la moda como disciplina», dijo Bolton, «pero creo… que el hecho de que la moda haya sido excluida de la historia de la estética [is] por la proximidad del cuerpo”. También contribuye a la posición de hermanastra de la ropa la opinión, señaló, de que es “algo que es en cierto modo decorativo, ilustrativo o complementario”. Además, hay una especie de rebeldía inherente asociada a las prendas, que son muy táctiles y están completadas (y destinadas) a la forma humana, mientras que las pinturas y esculturas son más autónomas y “embriagadoras”. La división mente/cuerpo es otra perogrullada que Bolton quiere invertir.
