El director de ‘Deep Water’ lo cuenta todo

El Polo Lounge está lleno durante la hora del almuerzo a finales de marzo. Un club de agentes de chicos muerde palitos de pan artesanales, y unas 15 mujeres que almorzan después de una ceremonia de premiación corporativa conversan en el vacío de un piano de media cola parpadeante.

Ninguno de ellos parece darse cuenta de que Renny Harlin está sentado cerca, pero seguramente han visto sus películas (especialmente las de los agentes). Harlin, extremadamente alto y de apariencia nórdica, es el arquitecto del cine de acción moderno. Si bien los críticos han sido duros con la combinación de sentimiento humano, violencia y pirotecnia del director finlandés, el público conoce su marca, consciente o inconscientemente.

Al principio, sus exitosas entradas en las franquicias “Nightmare on Elm Street” y “Die Hard” lo impulsaron a la cima de la lista de deseos de todos los estudios. La película de Sylvester Stallone “Cliffhanger” y la innovadora película de acción femenina “The Long Kiss Goodnight” lo colocaron en la cima. Los matrimonios de estrellas de cine y los fracasos intermitentes de taquilla pusieron a prueba su temple. Ha sido un comprador de películas adolescente en Cannes, un cómplice de Shell Oil, un acólito de Steven Spielberg y, antes de COVID, un expatriado que hizo películas a su manera durante seis años en China.

Por encima de todo, ha sido tenaz e intransigente en su visión del cine. Variedad Se sentó para una amplia conversación con Harlin antes del estreno el viernes de su última película «Deep Water». Aquí, Harlin nos cuenta su historia a través de sus créditos.

“Pesadilla en Elm Street 4: El maestro de los sueños”

Harlin dirigió su tercer largometraje convencional en 1988, tomando las riendas de la cuarta entrega de la franquicia Freddy Krueger. Fue un trabajo que apenas consiguió y lo cambió todo.

Se negaron siquiera a pensar en que este chico finlandés hiciera su franquicia. Había comenzado la huelga de escritores de 1987 y no tenían guión. Les dije que podía juntar las secuencias de pesadilla en guiones gráficos y crear la esencia de la película. Dijeron que era ridículo, pero se les acabó el tiempo para llegar a la fecha de lanzamiento y tuvieron que dejarme hacerlo. Eso fue pura tenacidad, y ni siquiera pude conseguir un agente en ese momento. [New Line Cinema founder] Bob Shaye sospechó mucho de mí durante todo el proceso. Adopté un enfoque muy diferente al de los directores anteriores. Freddy Krueger estaba tan bien establecido en ese momento que no podíamos fingir que daba mucho miedo. Es el James Bond del terror, así es como lo abordé.

Es gracioso [Warner Bros. Pictures co-head] Mike De Luca era entonces asistente en la empresa. Mike, la productora Rachel Talalay y yo nos reuníamos todas las mañanas y pensábamos líneas que dirían los actores, y lo mismo después del almuerzo. Cuando salieron las reseñas, fueron algunas de las mejores de mi carrera. Creo que el LA Times lo llamó una “pesadilla al estilo Kafka creada por Renny Harlin”. La película tuvo un gran estreno y la primera llamada que recibí el lunes fue de Steven Spielberg. Estaba viviendo en un motel en Hollywood por 25 dólares la noche y él me encontró allí. Bob Shaye me invitó a ver la película con él en público y me recogió en una limusina. Condujimos hasta los teatros Pacific y había una cola alrededor de la cuadra. Bob dijo: «Renny, están haciendo fila para ver tu película».

La película perdida de Spielberg

Mi primer encuentro después de “Elm Street” fue con Steven Spielberg. Me dijo que viniera a Amblin, le encantó la película. Me reuní con él y Kathy Kennedy. Quería hacer una película basada en un libro sobre un niño con la capacidad de volverse invisible. Explora la vida con este poder: ve las relaciones tempranas de su hermana y su sexualidad incipiente, su abuelo que está muriendo lentamente, sus padres que tienen problemas matrimoniales. Él lo ve todo. Consideré la película como una historia basada en personajes como “Mi vida como perro”, pero Steven quería que se pareciera más a “Regreso al futuro”, una comedia de acción y aventuras. Yo era tan idealista y apasionado que le dije que no era la película que quería hacer. En retrospectiva, piensas: «¿Qué tan estúpido puedo ser?» Pero tenía que creer en mis propias convicciones. Fue suicida, porque es un genio. Sigo pensando que mi versión de esa película habría sido muy especial.

“Duro de matar 2”

Después de “Elm Street”, Harlin comenzó a producir la comedia de acción “Las aventuras de Ford Fairlane” con Andrew Dice Clay. El pez gordo Joel Silver estaba haciendo la película y le daría a Harlin la secuela del éxito comercial de Bruce Willis, «Die Hard».

Un día estoy almorzando con Joel y entra Bruce Willis. Charlamos y nos conocemos, y una hora más tarde Joel me llama para decirme: «Bruce te ama. Te quiere para ‘Die Hard 2′». Empecé inmediatamente después de filmar «Ford Fairlane» y edité ambos al mismo tiempo. Estaba asustado. Bruce, bendito sea, acababa de convertirse en una estrella de cine desde la primera “Duro de matar”. Al comienzo de la producción de la secuela, anunció: «Ya no voy a hacer esa mierda de comedia. Quiero que este personaje sea serio». La gente venía a ver “Die Hard” porque Bruce era un hombre común y corriente y sarcástico. Le dije a Silver que Bruce no iba a hacer lo mismo que John McClane y que la película moriría sin eso. Tuvimos una gran negociación en la que acepté hacer tantas tomas como Bruce quisiera, si conseguía una para mí.

Joel y yo proyectamos un corte en Fox para Barry Diller, quien dirigía el estudio en ese momento. Estamos en una enorme crisis de tiempo. La película termina y Barry se levanta y dice: «Esta es una muy buena película. ¿Tienes más partes divertidas?». Así que tengo que explicarle que todos los chistes están ahí, incluso las tomas descartadas. Si Bruce estaba hablando por teléfono con Demi Moore y sonreía aunque fuera por un momento, lo filmaba y lo ponía en la película.

“Apocalipsis”

El vehículo de Sylvester Stallone, que tiene una nueva versión protagonizada por Lily James que llegará a los cines este año, fue un momento decisivo para Harlin en 1993. El proyecto se estrenó en el Festival de Cine de Cannes y marcaría el mayor éxito financiero de la carrera del director, recaudando 255 millones de dólares en la taquilla mundial.

Mi cita en Cannes fue mi mamá, porque ella siempre ha sido mi mayor apoyo. Cuando salimos del palacio del festival y bajamos las enormes escaleras, había miles de personas gritando. La música de la película estaba a todo volumen. Tenían nieve falsa cayendo sobre la alfombra a mediados de mayo. Tenía a mi mamá en un brazo y a Elizabeth Taylor en el otro. Sly Stallone se inclina junto a mi madre y le dice: «Renny, recuerda este momento. Nunca habrá nada mejor que este».

Todavía se me pone la piel de gallina al pensar en ello. Me recordó muchos años antes, cuando era estudiante de cine en Finlandia. Trabajaba a tiempo parcial como ejecutivo de marketing y comprador de películas para una distribuidora finlandesa. No teníamos dinero, así que fui a Cannes y me quedé en el barrio rojo. Fui al primer American Film Market, que fue en 1982. Compré los derechos de “Blood Simple” y “Evil Dead” y tuvimos mucho, mucho éxito. Lo mejor fue esta increíble película con Isabelle Huppert y Gerard Depardieu. Ambos tenían veintitantos años en esta ardiente y sexy película llamada «Loulou». Llamé a mi jefe en Helsinki y le dije que teníamos que comprarlo. Se me ocurrió la gran idea de traer a Isabelle a Finlandia porque ahora estoy enamorado de ella. Ella vino por tres días y yo fui su guía. Ella es la estrella emergente más grande de Europa, y voy a su hotel a recogerla en la suite presidencial y ella abre la puerta al salir de la ducha con una toalla. No podía creer que fuera real. Estaba temblando como una hoja. Al final del viaje la llevé al aeropuerto y me hizo un regalo. Un libro de cuero encuadernado a mano con páginas blancas vacías. Ella escribió en la primera página: “Querido Renny, este libro es para que escribas tus sueños y todos se harán realidad”.

“Isla degolladora”

Como suele suceder en Hollywood, la cima profesional de Harlin se encontró con un valle empinado. Él y su ex esposa Geena Davis se propusieron vivir una aventura pirata para toda la familia. Terminó siendo un fracaso sin precedentes. Realizada por cerca de 115 millones de dólares, recaudó unos miserables 16 millones de dólares.

Vas a cada película con tu mayor ambición y pasión, con ganas de hacer algo grandioso. La “Isla Asesina” se convirtió en una especie de símbolo del exceso y el fracaso. Ha habido muchas, muchas, muchas otras películas que tienen defectos mucho mayores. Pero eso fue un duro golpe para mí. No me gustan los cineastas que culpan al marketing y la distribución, pero en mi carrera he tenido muchos momentos en los que estoy en el lugar correcto en el momento correcto. Éste era el lugar equivocado en el momento equivocado.

Nuestro productor, Carolco Productions, estaba quebrando y tratando de rescatarse. Hicieron un acuerdo de producción con MGM, que salió a la venta cuando estábamos terminando la edición. No querían gastar ni un centavo ni correr ningún riesgo. Fue un lanzamiento navideño, lo que significó que tuvimos que pagar un montón en marketing. Michael Douglas fue contratado para desempeñar el papel principal. Abandonó justo antes de la producción por motivos personales. Me dejaron allí con mi entonces esposa Geena Davis. Ambos estábamos apegados a la película e intentamos salir. El papel fue para el gran actor Matthew Modine, y con todo el respeto para él, pero no estaba al nivel de Michael Douglas. Todas las señales decían que estábamos condenados. Gasté 800.000 dólares de mi propio dinero para que Marc Norman reescribiera el guión (“Shakespeare in Love”). Algunas cosas no funcionan.

“El largo beso de buenas noches”

Sólo un año después de “Cutthroat Island”, Harlin y Davis tuvieron la oportunidad de redimirse. Harlin tomó su fórmula de acción probada y la aplicó a la ganadora del Oscar Davis, apuntándola como una maestra amnésica que descubre que alguna vez fue una experta asesina de la CIA. La película recibió críticas mixtas y no fue rentable, pero se convirtió en un título querido en la biblioteca de cable durante décadas, especialmente para un thriller de acción centrado en mujeres.