Konstantina Kotzamani llega a Cannes Una Cierta Mirada con su ópera prima “Titanic Ocean”, un drama sobre la mayoría de edad en japonés ambientado en un internado donde las adolescentes se entrenan para convertirse en sirenas profesionales.
La película se estrena el 20 de mayo y sigue a Akame, también conocida como “Deep Sea”, de 17 años, mientras aprende a realizar espectáculos submarinos, navegar por el amor y descubrir el poder de su propia voz.
La coproducción internacional estuvo encabezada por Maria Drandaki (Homemade Films), junto con coproductores de Grecia, Alemania, Rumanía, España, Francia y Japón. Filmada íntegramente en japonés con un elenco y un equipo japoneses, la película marca el salto de Kotzamani de cortometrajes aclamados, incluidos “Limbo (2016)”, “Electric Swan (2019)” y “What Mary Didn’t Know (2024)” a su trabajo más ambicioso hasta la fecha, que combina el mito griego, la estética pop y un lenguaje visual táctil construido en torno al agua y la identidad femenina.
Variedad habló con Kotzamani y Drandaki antes del estreno de la película en Cannes.
¿Cómo pensaste en la canción y la voz como parte de la narración, en lugar de solo la partitura o el elemento interpretativo?
Kotzamani: Cuando comencé a escribir sobre esta escuela de sirenas, surgió la historia de “La Sirenita”, pero con aún más fuerza el antiguo mito griego de las Sirenas: estas criaturas monstruosas pero profundamente femeninas que atraen a los hombres hacia el mar a través de sus voces, hacia el deseo, la entrega y lo desconocido.
Mientras construía Akame (Mar profundo), la voz de la sirena se convirtió en una proyección de su arco interior. Comienza como una niña que apenas habla, callada y retraída. A través de su canción, su voz despierta y se convierte en un vehículo para expresar sus deseos en voz alta, permitiendo que sus necesidades internas emerjan plenamente al mundo exterior. Su voz se vuelve lo suficientemente poderosa como para cambiar las mareas, levantar olas y transformar el mundo que la rodea.
La relación de Akame con su entrenador se convierte en algo basado en el anhelo, el reconocimiento y el deseo. ¿Puedes hablar de esa dinámica?
Kotzamani: El viaje de Akame transcurre a través del despertar, el deseo y la metamorfosis. El despertar de la sexualidad y la fuerza del amor se encuentran entre las energías más profundas que emergen tanto a través de la psique como del cuerpo.
El amor se convierte en un catalizador para Akame, pero el amor en la película parece inquietante e imposible. Es una relación prohibida, no sólo por la jerarquía dentro del colegio, sino también por las diferentes especies: él es humano y ella es sirena, aunque su cola sea de silicona.
El agua se siente como el principio organizador de la película, visual y emocionalmente. ¿Cuándo se convirtió en el lenguaje central de la película?
Kotzamani: Estaba claro desde el principio que la película se construiría en torno al choque entre lo artificial y lo orgánico. El agua dentro de la escuela pertenece a un mundo fabricado, muy parecido a los sueños fabricados de las niñas. El océano real representa algo ilimitado. Un lugar de libertad, donde realmente puedes encontrarte a ti mismo.
Mientras escribía, volvió a mí una pesadilla infantil recurrente de una ola masiva. Traje ese miedo a la película. Para mí, hacer esta película se convirtió en una necesidad simbólica de sanación: enfrentar la ola nuevamente y transformarla. No hacia la destrucción, sino hacia la creación y la fuerza femenina.
¿Cómo te sentiste con la transición del cortometraje a tu primer largometraje?
Kotzamáni: “Titanic Ocean” fue ambicioso en todos los niveles. Rodaje en Japón, rodaje submarino difícil y una postproducción extremadamente exigente en edición, diseño de sonido y VFX. Estuve fuera de casa durante casi tres años, lo que tuvo un coste emocional real y periodos de agotamiento.
Lo que también encontré muy conflictivo en la realización de largometrajes fue la idea de que una película ya no puede existir sólo como un gesto artístico personal, sino que también debe llegar al mundo como un producto. La parte más difícil fue proteger tu propia voz y al mismo tiempo permitir que esa voz llegue a los demás.
¿En qué momento quedó claro que la película debía rodarse en Japón con un reparto y un equipo japoneses?
Drandáki: Desde el principio Konstantina quiso rodar la película fuera de Grecia y Europa, en el idioma del país y con un reparto local.
Aunque Japón siempre fue su principal inspiración, consideramos otros países asiáticos por un tiempo e incluso exploramos Taiwán y Singapur mientras discutíamos el proyecto con productores de Corea del Sur y China. Pero siempre regresaba a Japón por razones estéticas y culturales que eran fundamentales para la película.
Durante el desarrollo, pasamos años buscando los socios adecuados en Japón. Al asociarnos con Happinet Phantom Studios y Mam Film, encontramos una manera de mantenernos fieles al corazón de la película y al mismo tiempo respetar la realidad japonesa.
La película reúne a muchos socios globales. ¿Cómo funcionó en la práctica ese nivel de colaboración transfronteriza?
Drandáki: En Homemade Films, muchas de nuestras películas son coproducciones, pero con “Titanic Ocean” esta colaboración transfronteriza pasó a otro nivel, trabajando no solo con equipos de cinco países europeos, sino también principalmente con elenco y equipo de Japón.
La película pertenece tanto a Occidente como a Oriente, a Europa y Asia, y tiene características de todas estas culturas, industrias cinematográficas y éticas laborales. Este encuentro de personas y culturas fue increíblemente creativo y, a menudo, explosivo. Lo que lo mantuvo unido fue el talento incomparable y la visión creativa de Konstantina. Todos los que participaron en la película entendieron y quisieron ser parte de esa visión.
También pasamos años buscando los socios adecuados para cada puesto y muchos meses construyendo juntos una visión compartida. Detrás de eso, teníamos un equipo de producción muy fuerte que se mantuvo unido a lo largo de esta aventura de 10 años.
